¿Sabías que el actor Anthony Hopkins compone música clásica? 🎹✨
Su pasión por la música viene desde su más tierna infancia: con solo cuatro años ya tocaba el piano y, en su adolescencia, componía para pequeñas obras teatrales.
💿 "Life is a dream"
A sus 88 años, acaba de firmar con el sello Decca Classics para publicar su nuevo álbum que verá la luz el próximo 21 de agosto. Un trabajo que recopila más de seis décadas de composiciones.
🎻 Una producción de lujo:
La prestigiosa Philharmonia Orchestra fue la encargada de dar vida a su obra, bajo la dirección del maestro Gustavo Dudamel. Además, cuenta con el violonchelista Gregorio Nieto, el pianista Sergio Tiempo, el Bach Choir y los Niños Coristas de la Catedral de Winchester. La grabación tuvo lugar este pasado mes de abril en el icónico Alexandra Palace de Londres. 🇬🇧
🎶 Los adelantos:
El primer single del álbum, ‘Bracken Road’, pertenece a su obra 1947: Suite for Solo Piano and Orchestra.
La pieza es un nostálgico paseo por los recuerdos de su infancia, allá por 1940, en Margam, Gales del sur.
Recientemente acaba de publicar el segundo single "Life is a dream", dedicado a su sobrina Tara.❤
¿Sabías que Ray Charles versionó música Country? 🤠🎹
En 1962, el genial artista rompió todas las barreras al lanzar "Modern Sounds in Country and Western Music".
En una época marcada por la segregación, el maestro del soul se atrevió a grabar un álbum con éxitos de un género que la industria consideraba exclusivamente "de blancos", imprimiéndoles su sello único: una magistral mezcla de soul y R&B.
No fue un camino fácil. Por aquel entonces, las tiendas de discos estaban divididas entre música para público afroamericano y música para público blanco; nadie quería cruzar esa línea. Sin embargo, contra todo pronóstico, el álbum fue un éxito rotundo que cambió la música popular para siempre.
Tal fue el fenómeno, que ese mismo año lanzó "Modern Sounds in country and western music volumen two."
La canción que te invitamos a escuchar en el vídeo es " I can't stop loving you", originalmente escrita y grabada por la leyenda del country Don Gibson en 1957.
Para que podáis conocerlo un poquito más en profundidad, el compositor y pianista suizo Gabriel Meyer, ha tenido la inmensa amabilidad de contestar a nuestro clásico cuestionario musical viajando con nosotros a través de sus recuerdos y gustos musicales.
¿Cuál es tu primer recuerdo musical de la infancia? ¿Qué tipo de música se escuchaba en tu casa cuando eras pequeño y cuál te influyó más?
En casa escuchábamos casi exclusivamente música clásica. Recuerdo la colección de discos de mis padres con mucha nitidez; la música siempre estuvo muy presente en el hogar. Había mucha música barroca, sobre todo grabaciones de las obras para órgano de Bach. Eso ya me fascinaba de niño. La música de piano no estaba tan presente entonces, pero creo que ahí fue donde comenzó mi fuerte vínculo con este arte.
¿Recuerdas cuál fue el primer álbum que compraste o que te regalaron?
Sí, lo recuerdo perfectamente. Al año de empezar a tocar el piano, gané el primer premio en un concurso regional. Me dieron un vale para una tienda de música y lo usé para comprar «Horowitz at Carnegie Hall: An Historic Return» de Vladimir Horowitz. Horowitz sigue siendo uno de mis grandes referentes, por lo que ese álbum fue y es muy especial para mí.
¿Y el primer concierto al que asististe?
El primer gran concierto que recuerdo haber vivido fue una actuación de Lang Lang en la Tonhalle de Zúrich. En aquella época, Lang Lang también era un gran modelo a seguir para mí.
¿Cuáles son tus cantantes o bandas favoritas?
Mi banda favorita es Queen. Freddie Mercury tenía una voz increíble, pero también me fascinan sus composiciones. En Queen convive una mezcla de gran libertad musical, melodías fuertes y una energía única en el mundo.
¿Hay algún artista o grupo español que te guste especialmente?
Si te soy sincero, no me viene a la mente ningún artista español actual. Cuando pienso en música española, tiendo a irme más hacia compositores como Granados, Albéniz, de Falla o Mompou. Me encanta el color tan particular y el carácter español de su música. Y Mompou, para mí, posee un universo propio lleno de paz.
Si miráramos tu lista de reproducción ahora mismo, ¿qué tipo de música encontraríamos?
Encontrarías una mezcla bastante amplia: música clásica, jazz, blues y también rock clásico.
¿Cuál es el último álbum que has comprado?
No lo recuerdo. Ahora lo escucho casi todo a través de plataformas de streaming. Probablemente compré mi último álbum físico hace más de quince años.
¿Y el último concierto al que has ido como público?
Fue en marzo, un recital de Evgeny Kissin en la Tonhalle de Zúrich. Fue una actuación asombrosa, impresionante; probablemente uno de los conciertos más impactantes que he vivido en mi vida.
¿Cuál es esa canción que jamás te cansarías de escuchar?
El segundo movimiento del Concierto para piano en sol mayor de Ravel. Por supuesto, hay muchas piezas a las que puedo regresar una y otra vez, pero ese Adagio tiene una calma y una belleza sumamente especiales para mí.
Para terminar, recomiéndanos un artista o un álbum específico...
Recomendaría a Dinu Lipatti, especialmente su Besançon Recital. Murió demasiado joven, con solo 33 años, y era un artista extraordinario, con una sensibilidad y una profundidad muy especiales al tocar el piano. Una gran humildad se transmite en su forma de tocar.
Si te has quedado con ganas de más recuerda seguir a Gabriel Meyer en sus redes sociales!
Si la música es alma y emoción, el pianista y compositorsuizo Gabriel Meyer es un perfecto catalizador de esa esencia tan pura. Su obra es un viaje a través del sentimiento; eleva, calma, o hace reflexionar, soñar, divagar...
Su álbum debut, «Remember», publicado el pasado 15 de mayo, es un tránsito vital por diferentes estados de ánimo del artista en un momento decisivo de cambios en su vida. Ese volcado de emociones tan personales le dan esa verdad y ese magnetismo que atrapa al oyente.
En «La guarida musical» hemos tenido el inmenso placer de hablar con él sobre este álbum y su proceso creativo con total profundidad.
¿Cómo nació tu pasión por la música? ¿Cuándo empezaste a tocar el piano y te diste cuenta de que esto era lo que amabas y lo que llenaba tu alma?
Gabriel Meyer: Empecé a tocar el piano bastante tarde, cuando tenía dieisiete años. El momento decisivo fue escuchar el Primer Concierto para Piano de Chopin. Esa música movió algo muy profundo dentro de mí, y a partir de ahí tuve claro que quería ser pianista. Más que un plan consciente, fue un sentimiento arrollador de absoluta claridad.
P: ¿Recuerdas tu primera composición y qué edad tenías? Para un compositor, esa primera pieza suele ser muy significativa. ¿Qué te inspiró o qué querías expresar?
G.M.: No sabría decir con exactitud cuál fue mi primera composición como tal. Pero recuerdo muy bien un momento concreto cuando tenía dieiocho años. Estaba sentado al piano y, de repente, brotó una pieza que simplemente estaba ahí. No fue algo planeado, ni siquiera sentí que estuviera componiendo de manera consciente. Surgió de un estado mental particular y a mí mismo me pilló por sorpresa. En ese momento no supe cómo encajarlo, pero mucho más tarde comprendí que esa forma espontánea en la que aparece la música es algo que me pertenece de manera muy profunda.
P: A diferencia de los cantautores, los músicos instrumentales no os apoyáis en las palabras para expresar una emoción o contar una historia; dependéis únicamente de la melodía para llegar al alma del oyente. Esto hace que la música instrumental sea mucho más etérea, visceral y emocional... dándole un poder y una magia especiales. ¿De qué fuentes bebes a la hora de canalizar tus emociones en una pieza para transmitir el sentimiento exacto que experimentas al crearla?
G.M.: No creo que intente traducir una emoción específica en música de forma consciente. Cuando me siento al piano sabiendo con demasiada precisión lo que quiero hacer, a menudo se vuelve más difícil. Para mí, la música suele aparecer cuando me dejo llevar y me pongo a escuchar de verdad. Toco algo, reacciono a ello y, a veces, una pieza se abre camino a partir de ahí. No se trata tanto de construir algo, sino de seguir el rastro de algo.
Por supuesto, todo lo que has vivido se vuelca en ello: recuerdos, estados de ánimo y también cosas que quizás no eres capaz de nombrar de inmediato. Con todo, no intento explicar eso mientras compongo; confío en que la música en sí misma es más precisa que las palabras.
P: Este es tu álbum de debut. Mencionaste que todo comenzó hace dos años con una composición espontánea y que, más tarde, nacieron nuevas piezas que completaron el trabajo. ¿Qué tipo de emociones encontramos en esta obra? ¿Qué nos cuentan estas canciones y cuál fue la emoción predominante que las inspiró?
G.M.: Para mí, el álbum se mueve entre el recuerdo y el dejar ir. Es música que nació en una época en la que estaban cambiando muchas cosas dentro de mí. Por eso alberga diferentes estados de ánimo: búsqueda, consuelo, vulnerabilidad, pero también calma y algo de esperanza. No creo que las piezas cuenten una historia concreta; son más bien instantáneas de estados internos. Algunas piezas se sienten como una pregunta, otras son más claras, casi como el hecho de llegar a un lugar.
P: En relación con el proceso creativo, ¿había canciones en las que ya tenías una idea o emoción preconcebida y te sentaste al piano específicamente para plasmarla en la partitura, o todo fue más espontáneo y fluido en general?
G.M.: En su mayor parte, fue muy espontáneo. No me sentaba al piano pensando: "ahora quiero expresar exactamente esto o aquello", no es así como funciona para mí. Con algunas piezas, sentí como si estuvieran completamente terminadas desde el primer momento. Con otras, la mayor parte ya estaba ahí, pero requirieron tiempo para que la estructura final se sintiera correcta. Creo que en mi caso es una mezcla: el comienzo es muy intuitivo y más tarde entra en juego el oficio y la técnica.
P: Muchos compositores dicen que las melodías a menudo les visitan en sueños, obligándoles a levantarse rápidamente para escribirlas, o en lugares inesperados de su rutina diaria. ¿Te ocurre esto a ti?
G.M.: No, la verdad es que no. A mí la música me llega principalmente de forma directa al piano. No soy de los que van caminando por su vida diaria y de repente tienen una melodía terminada en la cabeza que deben apuntar corriendo. Tiene más que ver con un estado de trance; cuando estoy sentado al piano, fluyendo y escuchando de verdad, es cuando algo puede aparecer.
P: Si tuvieras que destacar un tema del álbum al que debamos prestar especial atención, ¿cuál sería?
G.M.: Es difícil elegir una sola pieza, porque cada una tiene su propio lugar en el disco. Pero si tuviera que nombrar una, probablemente sería «What Remains». Esta pieza cierra el álbum y consta de ocho partes. Para mí, se siente como una última mirada al pasado, hacia todo lo que vino antes. El círculo se cierra y lo que queda es esa pregunta simple: ¿qué queda al final?
P: ¿Qué proyectos tienes en mente para este nuevo álbum? ¿Tienes planeado dar conciertos próximamente?
G.M.: Sí, definitivamente quiero tocar el álbum en directo. He pasado muchísimo tiempo con esta música a solas con el piano y en el estudio, y ahora quiero llevarla a los escenarios. Para mí, el objetivo es compartir esta música con la gente en un entorno en vivo. Siento que ese es el paso natural que debo dar ahora mismo.
Para conocerlo un poco más en profundidad te invitamos a leer sus respuestas a nuestro clásico cuestionario musical donde repasa con nosotros sus gustos y recuerdos musicales.
El napolitano Andrea Saninno acaba de publicar "Bossammò", un EP compuesto por tres canciones en las que fusiona la música napolitana con la elegancia de la bossa nova y la sensualidad del jazz latino.
El resultado es una exquisitez musical, siempre con ese romanticismo y esa voz que juega en cada nota dándole una verdad y una emoción únicas.
"Miseno": una historia de amor que nace en las playas doradas y los atardeceres del cabo Miseno, donde el paisaje se convierte en el cómplice de un romance de verano inolvidable.
"Bossammò": un juego de seducción y un deseo que late al ritmo de la saudade, se desata al caer la noche, donde la música se convierte en el único puente capaz de rescatar los restos de un amor tan apasionado como inevitable.
"Lacrima": el dolor del amor perdido y esa nostalgia de recuerdos que araña el alma.
Visita su canal oficial de Youtube y disfruta del videoclip grabado en un único plano secuencia, uniendo las tres canciones, en Bacoli (Nápoles).
El guitarrista flamenco Álvaro Gil presentó "Viaje a Ítaca", la bulería de su álbum "Refugio", en el programa @latarde_rtva de @canalsurradiotv
Una canción que está inspirada en el poema del poeta griego konstantinos Kaváfis, un recordatorio de que lo importante no es la meta sino disfrutar del camino.
Tienes el álbum disponible en plataformas digitales y también en formato físico.
El arte de Federico García Lorca también se puede escuchar.
Lo podemos hacer de la mano de la interpretación que Iván Palomares @thespanishcomposer, compositor, realiza de una pieza musical del poeta con el título Canción de invierno. (Además de interpretar la pieza y hacer los arreglos, es también el autor de la BSO del documental "La voz quebrada")
Aún el genio andaluz no se había hecho un nombre y firmó esta obra como Federico García. Fechada el 29 de enero de 1916, Lorca era todavía un adolescente de 17 años. RTVE muestra por primera vez la pieza musical del autor granadino. Las partituras, olvidadas, se encontraban en Boston (Estados Unidos). Tras ser rescatadas por el hispanista y experto lorquiano Christopher Maurer, fueron puestas a disposición del documental La voz quebrada, cuyo estreno será una realidad este año.
